El Universo Extendido de DC fue una empresa apresurada con un futuro incierto, aunque el Arrowverse basado en televisión creció y tuvo bastante éxito. Sin embargo, una franquicia contemporánea de DC que no debe pasarse por alto es el Universo de Películas Animadas de DC, compuesto por múltiples películas animadas interconectadas basadas en propiedades populares. Pueden haber sido creadas para el mercado doméstico, pero muchas son emocionantes, impactantes y emotivas, y podrían competir con producciones más “de alta gama”.

Justice League Dark (2017)

Una locura inexplicable se está extendiendo entre las personas en todo el mundo, causando caos y muerte, y la Liga de la Justicia parece impotente contra ella. Frente a la posibilidad de que la magia pueda estar en la raíz del problema, Batman investiga con la ayuda de los héroes místicos de la Tierra, incluyendo a John Constantine, Zatanna, Deadman y otros.

Desde el punto de vista narrativo, Justice League Dark no es lo mejor del DCAMU, aunque aún presenta un misterio decente y personajes interesantes. La mayor ventaja de la película es que el elemento sobrenatural le permite ser increíblemente imaginativa y, como su título sugiere, explorar direcciones oscuras.

Teen Titans: The Judas Contract (2017)

La historia de cómic de los Teen Titans más famosa recibe un giro fresco mientras el equipo de superhéroes se enfrenta a Deathstroke y Brother Blood, con la ayuda de su miembro más nuevo, Terra, quien secretamente es una traidora.

A pesar de una secuencia de apertura bastante confusa e inútil, la película avanza con una acción sólida y relevante y un desarrollo de personajes, especialmente en lo que respecta a Terra. Una inteligente fusión de la heroína caída y comprensiva de la serie animada Teen Titans de 2003 y la villana depravada y perturbadora del material fuente, esta versión de la figura traidora con poderes de la tierra asegura una experiencia trágica, madura y emocionalmente conflictiva.

Batman: Bad Blood (2016)

Batman está muerto. ¿O lo está? De cualquier manera, Gotham se queda sin su principal protector, lo que significa que le corresponde a Nightwing, Robin y sus nuevos aliados, Batwoman y Batwing, enfrentar a los criminales cada vez más audaces y descubrir qué le sucedió al Caballero de la Noche.

El hecho de que Batman esté fuera de combate durante gran parte de la película brinda espacio para que el resto de la Familia Bat brille. Y brillan, incluso Alfred, el siempre leal mayordomo. Se obtiene diversión, drama e introspección abundantes a partir de las batallas y el diálogo de los compañeros. Aun así, la presencia de Batman se siente en todo momento, ya que se nos permite una mirada más profunda a su psicología y al efecto que ha tenido en aquellos a quienes mentorizó e inspiró.

Batman: Hush (2019)

Adaptada de la historia de arco argumental del cómic del mismo nombre, Batman está siendo aterrorizado por un enemigo enigmático llamado Hush, que parece saberlo todo sobre él. Al mismo tiempo, el romance creciente de Batman con Catwoman se vuelve serio, lo que solo la pone en un mayor peligro, ya que Hush apunta a aquellos más cercanos al Caballero de la Noche.

Hasta que se realice la deseada versión de acción en vivo de este moderno clásico de Batman, los fanáticos seguramente pueden conformarse con la versión animada: un esfuerzo fiel pero en última instancia subversivo que muestra al héroe titular en su estado más vulnerable. El clímax seguramente decepcionará a los puristas, pero solo demuestra que los cineastas se centraron en crear una narrativa emocionante en lugar de simplemente ofrecer servicio para los fanáticos.

The Death of Superman (2018)

Una difícil decisión se cierne en el horizonte para Superman. Para preservar su relación con Lois Lane, el amor de su vida, debe considerar compartir su identidad secreta con ella. Lamentablemente, algo terrible lo espera en forma de Doomsday, un monstruo alienígena sin mente que incluso él puede que no pueda detener, al menos no sin un costo tremendo.

La Muerte de Superman es una de las historias de Superman más icónicas jamás concebidas. La película lleva el peso de su influencia con respeto y un poco más, utilizando sabiamente el romance entre Superman y Lois Lane como su corazón latiente. Aunque solo representa la mitad de la historia original, es la mitad más impactante.

Constantine: City of Demons (2018)

El astuto y sarcástico investigador paranormal y entusiasta de las artes oscuras, John Constantine, favorito de todos, es abordado por su amigo de la infancia Chas Chandler para salvar a su hija en coma de un poder mágico malévolo sospechado. Sin duda, al intentar ayudarla, Constantine se ve envuelto en un mortal juego de demonios, almas y el espíritu literal de Los Ángeles.

“City of Demons” te lleva en un glorioso viaje a través del horror sangriento e imágenes surrealistas, con la interpretación impecable de Matt Ryan como Constantine como tu guía antiheroica. Suspiros, risas macabras, más suspiros y tal vez una lágrima o dos al final son de esperar.

Suicide Squad: Hell to Pay (2018)

La unidad de operaciones encubiertas con sede en los Estados Unidos conocida como Task Force X, o el “Escuadrón Suicida”, conformada a regañadientes por criminales como Deadshot, Harley Quinn y Bronze Tiger, recibe la orden de su supervisora Amanda Waller de recuperar una extraña carta que supuestamente puede conceder la capacidad de eludir la condenación. Pero lo que debería ser una misión sencilla se vuelve más complicada y peligrosa cuando se revela que otras poderosas facciones también desean la carta.

Al igual que algunos consideran que “Batman: Assault on Arkham” (2014) debería haber sido la película del Escuadrón Suicida que la película de 2016 no fue, “Hell to Pay” tiene éxito en muchos aspectos en los que la última falló, como crear protagonistas convincentes a partir de villanos, establecer un tono más crudo que la mayoría de las películas de cómics y tener un estilo nítido, completo con un sentido del humor disfrutablemente retorcido. Incluso encuentra la manera de incluir una conversación sorprendentemente profunda sobre espiritualidad y redención.

Justice League Dark: Apokolips War (2020)

La impresionante conclusión del Universo de Películas Animadas de DC ve a la Liga de la Justicia intentar y fallar de manera espantosa en lanzar una ofensiva preventiva contra el señor de la guerra intergaláctico Darkseid en su planeta natal de Apokolips, lo que resulta en la devastación de la Tierra y en que numerosos héroes terminen muertos o en una situación aún peor. Dos años después, los rebeldes restantes reúnen la poca fuerza y esperanza que les queda para un contraataque que decidirá el destino último de todos y de todo.

Esencialmente funcionando como el “Avengers: Endgame” del Universo de Películas Animadas de DC (DCAMU), “Apokolips War”, comprensiblemente, no puede proporcionar un cierre significativo para cada rostro reconocible en su continuidad establecida. Sin embargo, la película divide su enfoque de manera adecuada entre los personajes y tramas más importantes, avanzando con toda la emoción y el sentimiento de alto riesgo dignos de un gran final. Lo que es aún más impresionante es que lo logra con la mitad de la duración de “Endgame”.

Batman Vs. Robin (2015)

A medida que las tensiones entre Batman y su hijo Damian, quien ocupa el cargo de Robin, empeoran debido a sus actitudes e ideologías en constante conflicto, la mítica sociedad secreta conocida como la Corte de los Búhos se prepara para atacar a Gotham con su ejército de asesinos Talon, uno de los cuales muestra un interés en Robin.

Desde el ritmo hasta las secuencias de acción y la exploración de personajes y relaciones, incluyendo las del antagonista central, “Batman vs. Robin” funciona a la perfección en prácticamente todas las áreas. Más películas independientes de superhéroes deberían tomar nota de esta película sobre cómo asegurarse de que no sean simplemente relleno para llegar a los eventos de equipo.

Justice League: The Flashpoint Paradox (2013)

El que lo inició todo. Barry Allen, alias The Flash, despierta un día para encontrarse viviendo en una realidad alternativa en la que, entre muchas diferencias, no tiene poderes, su madre está viva, la Liga de la Justicia no existe y una guerra entre Amazonas y Atlantes amenaza con destruir el mundo, preparando el escenario para la explosiva epopeya que es “Justice League: The Flashpoint Paradox” (“La Paradoja del Tiempo”).

Los entusiastas de los cómics difícilmente podrían haber pedido una mejor adaptación del evento de cruce seminal “Flashpoint”, ni los espectadores casuales podrían esperar una película animada de superhéroes más cautivadora. La atmósfera es intensa, los personajes familiares y sus historias se invierten por completo, y la búsqueda de Flash para descubrir el misterio de su situación revela una historia aleccionadora sobre los peligros de jugar a ser Dios.

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Aunque inicialmente Jackman había enfatizado que Logan de 2017 sería su última interpretación de Wolverine, la noticia de su regreso en Deadpool 3 generó una gran anticipación por la secuela. Sin embargo, la aparición de Jackman se vuelve aún más emocionante con la revelación de que finalmente lucirá su clásico traje amarillo de los cómics. Además de ser esperado desde hace mucho tiempo para la larga trayectoria de Jackman como Wolverine, su traje en Deadpool 3 también cumple con la configuración que se le dio en The Wolverine de 2013 (aunque en una escena eliminada).

Deadpool 3 está finalmente cumpliendo la promesa del clásico traje de los X-Men de Wolverine

En el final alternativo de The Wolverine, Logan sube a un jet privado con Yukio (interpretada por Rila Fukushima) para regresar a casa, y Yukio le entrega una caja. Logan abre la caja, revelando un par de guantes amarillos y una máscara en su interior, mientras el escéptico Logan mira a la sonriente Yukio. Aunque esta escena finalmente no se incluyó en The Wolverine, parece que ni Ryan Reynolds ni el director de Deadpool 3, Shawn Levy, la olvidaron.

Fotos del set de Deadpool 3 muestran a Jackman con el traje completo de Wolverine tal como aparece en los cómics, aunque con algunas modificaciones, principalmente en que el traje de Wolverine ahora tiene mangas. Además, se ve a Jackman sin máscara en el set de Deadpool 3, lo que plantea la pregunta de si Wolverine lucirá su máscara clásica en la película. Sin embargo, la naturaleza inherentemente meta de Deadpool como serie de películas y como personaje hace probable que lo haga, y es realmente asombroso pensar que esto sucederá 24 años después de que Jackman comenzara a interpretar a Wolverine.

¿Por qué Hugh Jackman no usó el traje clásico de Wolverine antes?

Adaptar los trajes coloridos y a menudo extravagantes que los superhéroes usan en las páginas de los cómics a películas de acción real siempre ha sido una tarea complicada y rara vez se ha vuelto más cierta que en la franquicia de los X-Men. Inicialmente, las películas de los X-Men presentaban al equipo con monos de cuero negro, e incluso Cyclops (interpretado por James Marsden) rompió la cuarta pared en la primera película de X-Men al preguntarle a Wolverine: “¿Qué prefieres, licra amarilla?”. Si bien las películas de los X-Men gradualmente fueron mostrando trajes más acordes con los cómics, las películas en solitario de Wolverine generalmente lo mantuvieron con ropa más informal para enfatizar su personalidad ruda y solitaria.

El director de The Wolverine y Logan, James Mangold, explicó la ausencia del traje diciendo que es demasiado egocéntrico para Logan usar colores llamativos que busquen atención. De hecho, después de The Wolverine, Logan habría sido aún menos adecuado para presentar el traje. No solo se eliminó la configuración de The Wolverine, sino que la historia basada en el cómic de Old Man Logan y el tono oscuro de la película habrían hecho que el traje fuera muy inapropiado. En contraste, Deadpool 3 seguramente será la personificación de una película de cómics, lo que la convierte en el lugar perfecto para que Wolverine finalmente use su clásico traje amarillo que casi hizo su debut en la pantalla grande en The Wolverine.

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Al igual que en Top Gun: Maverick se podría interpretar como Tom Cruise tratando de mantener su estatus como una de las últimas grandes estrellas de cine de su época, la batalla de Hunt contra la IA en Dead Reckoning también podría representar a Cruise, de mentalidad práctica, enfrentado al paisaje de Hollywood lleno de efectos generados por computadora. Y aunque la idea de un algoritmo villano podría dar la impresión de que la serie se adentra en la ciencia ficción al estilo de Terminator, Dead Reckoning evita por completo los elementos fantásticos y se siente extrañamente presciente, tanto en términos de las conversaciones en torno al uso malicioso de la IA como en eventos actuales desafortunadamente recientes. Solo el primer acto ya es el más centrado en el espionaje puro desde la primera película de la serie.

El elenco de Misión: Imposible – Dead Reckoning Parte Uno una vez más ofrece su máximo esfuerzo. No debería sorprender que Tom Cruise se comprometa plenamente con su papel una vez más. Entre los miembros del elenco que regresan, Ving Rhames y Simon Pegg son igual de encantadores como lo han sido en el pasado interpretando a los miembros de IMF Luther y Benji. Rebecca Ferguson una vez más roba prácticamente todas las escenas en las que aparece como Ilsa Faust, y es genial ver a Henry Czerny regresar por primera vez desde la película original como Kittredge, el antiguo superior de Hunt.

Dicho esto, los nuevos miembros del elenco son adiciones muy bienvenidas, especialmente Hayley Atwell y Pom Klementieff, quienes son mis dos favoritas personales. Atwell interpreta a Grace, una ladrona que se ve envuelta en los planes de la IMF y que puede tener sus propias lealtades secretas. Klementieff, quien está teniendo un gran año entre esto y Guardianes de la Galaxia 3, brilla como Paris, la principal asesina de Gabriel y una fuerza de la naturaleza por derecho propio.

Hablando de Gabriel, Esai Morales ofrece una sólida actuación como Gabriel con un aire de amenaza cada vez que aparece en pantalla. No es mi villano favorito de la serie (Philip Seymour Hoffman en Misión: Imposible III aún mantiene ese primer lugar), pero sin duda es uno de los más memorables. También quiero destacar al siempre subestimado Shea Wingham como Briggs, un agente que intenta capturar a Hunt a lo largo de la película. Aunque no tiene mucho que hacer en comparación con el resto del elenco, más allá de dar órdenes a su equipo, brilla cuando tiene su momento.

Vamos a abordar la gran pregunta: Me complace informar que Misión: Imposible – Dead Reckoning Parte Uno mantiene el alto nivel de acción impresionante que la franquicia ha mantenido durante la última década. El hecho de que Tom Cruise, que ahora tiene ¡61 años!, siga dispuesto a empujar sus límites físicos a este nivel por el simple hecho de hacer cosas geniales en la pantalla es tan admirable como realmente insano.

Hay tiroteos impresionantes, peleas en espacios reducidos y una impresionante persecución en automóvil que se presenta a lo largo de la película, todos ellos bien filmados por el director Christopher McQuarrie y el director de fotografía Fraser Taggert, quienes regresan para esta entrega. El gran salto en motocicleta desde una montaña que se muestra en toda la promoción es tan emocionante como uno podría imaginar. Dicho esto, todos esos momentos palidecen en comparación con la secuencia en el tren que ocupa la mayor parte del tercer acto. Toda la secuencia es realmente impresionante, y lo digo casi literalmente. No me había estresado tanto con una gran escena de acción desde… Top Gun: Maverick, curiosamente.

Mi única gran preocupación es el hecho de que sea “Parte Uno”. Entre Fast X, Across The Spider-Verse y ahora esto, muchos blockbusters de este año han estado dividiendo sus historias en dos partes. Si bien el final de Misión: Imposible – Dead Reckoning Parte Uno da la sensación de ser una película más “completa” que las otras dos mencionadas, sigue siendo solo la mitad de la historia en última instancia. Dicho esto, estoy muy emocionado de ver cómo la Parte Dos une todo.

Siete películas y 27 años desde la original, es increíble que las películas de Misión: Imposible sigan encontrando nuevas formas de sorprendernos. Aunque no creo que Misión: Imposible – Dead Reckoning Parte Uno supere la casi perfección de Fallout, esto demuestra el nivel consistentemente alto de la franquicia cuando una película tan buena está “solo” en segundo o tercer lugar.

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Basada en el webcómic y la novela gráfica de ND Stevenson del mismo nombre, Nimona se desarrolla en un reino medieval que se mezcla con una ciudad de estilo Blade Runner (simplemente conocida como “El Reino”), donde sus ciudadanos están protegidos del mundo exterior por una enorme pared aparentemente inexpugnable, al estilo de Ataque a los Titanes, un cañón láser ridículamente grande que parece estar compensando algo y un “Instituto” de caballeros conocidos como Los Héroes del Reino.

Mientras los habitantes de El Reino viven una vida de relativa paz detrás de la seguridad de la Muralla a cambio de libertades limitadas y un nivel de vigilancia y control propio de Gran Hermano en nombre del Instituto, poco se sabe sobre las tierras que yacen más allá de la muralla, aparte de las leyendas de monstruos sedientos de sangre que aterrorizaron a la humanidad hace milenios.

Siglos de prosperidad y paz han convertido a los caballeros del Instituto en poco más que atletas fanfarrones y espadachines, pero aún así se ganan el respeto de sus súbditos porque son los descendientes directos en línea de sangre de Gloreth, el guerrero que repelió la amenaza de los monstruos hace 1000 años. Así comienza la historia de Nimona en el punto de inflexión en el que todo parece destinado a cambiar. Ballister Blackheart (con la voz de Riz Ahmed, conocido por su papel en Venom), el primer plebeyo sin conexión de sangre con Gloreth y que ha entrenado toda su vida para unirse al Instituto, es nombrado miembro de la orden por la Reina Valerin, solo para ser incriminado por su asesinato poco después durante su Ceremonia de Nombramiento televisada, convirtiéndose inmediatamente en el Enemigo Público Número Uno.

“Nimona es un dinamo de caos desenfrenado, parlanchina y enérgica, con la que el público no podrá evitar enamorarse.”

Decidido a limpiar su nombre, Ballister se oculta, pero no antes de perder tanto su espada como el brazo al que está unida, en manos de su novio, Ambrosius Goldenloin (sí, leíste correctamente), durante el fallido intento de arresto de este último caballero. La nueva reputación de Ballister como el villano más odiado del reino llama la atención de Nimona, una adolescente enérgica y buscadora de caos que tiene la habilidad de cambiar de forma. Nimona encuentra el escondite de Ballister y le ofrece hacer un trato para ayudarlo a limpiar su nombre a cambio de convertirse en su “compañera oficial de maldad”, supuestamente para aliviar su aburrimiento.

Necesitando toda la ayuda que pueda conseguir, Ballister acepta a regañadientes, dando inicio a la campaña del dúo para cambiar la historia tanto contra el Instituto como contra el público que los ha etiquetado como monstruos, y descubrir al verdadero villano detrás del asesinato de la Reina. Es en este preciso momento en el que, al igual que la propia cambiaformas titular, la película muestra completamente su malévola sonrisa llena de dientes de tiburón y pone en marcha una montaña rusa de risas, humor oscuro, sorpresas y un drama conmovedor que se niega a soltar el acelerador hasta el final del viaje.

El personaje de Nimona, con la voz de Chloë Grace Moretz (Kick-Ass) en una interpretación casi irreconocible, y magistralmente escrito y animado por lo que debe ser un equipo de magos de la animación de DNEG, es un dinamo de caos desenfrenado, parlanchina y enérgica con la que el público no podrá evitar enamorarse. El extravagante y rosado repertorio de animales grandes y pequeños en los que puede convertirse sin esfuerzo, con un tiempo cómico perfecto, recuerda a la interpretación del difunto y grandioso Robin Williams como El Genio en Aladdín de Walt Disney, solo que con mucha más actitud punk y una pizca saludable de sed de sangre insatisfecha.

“Nimona también se destaca notablemente de otras películas animadas de su tipo al lucir orgullosamente su corazón LGBTQ2S+ en la manga.”

A diferencia del Genio, Nimona no sirve a nadie, generalmente tomando las súplicas de Ballister por sigilo y daños colaterales mínimos como sugerencias educadas, en el mejor de los casos. Con un rencor hacia toda la humanidad, se suscribe generosamente a la escuela del elefante en una cacharrería en la lucha, donde, similar a Ant-Man de Marvel, utiliza su impulso y su masa en constante cambio mientras cambia de forma para causar estragos y “romper cosas” con alegría. Esta dinámica crea escenas de acción memorables y altamente creativas que mantienen constantemente a los espectadores adivinando en qué se transformará Nimona a continuación, especialmente los niños.

Aunque Nimona como película se siente muy en línea con las estructuras y los ritmos narrativos de Disney, Pixar o Illumination, la forma poco convencional en la que realmente desarrolla esos ritmos seguramente tomará por sorpresa a muchos espectadores. Sin revelar detalles, el equipo de guionistas y animadores de DNEG son indiscutiblemente maestros del engaño moderno, lo que significa que no tienen miedo de jugar con las convenciones del género establecido y/o las expectativas del público, solo para darles un giro completo. Esto se aplica no solo a los chistes, sino también a elementos menores y mayores de la historia, lo que lleva a resultados inesperados y valiosos en la película.

Ahora, para abordar el elefante rosa de 500 libras en la habitación; si aún no estaba claro, Nimona también se diferencia de otras películas animadas de su tipo al lucir orgullosamente su corazón LGBTQ2S+ en la manga. Más importante aún, lo hace sin necesidad de golpear a nadie en la cabeza para comunicarlo. Al igual que el webcómic de 2015, la película es una alegoría de varios temas como la homofobia, la raza, la aceptación y la no conformidad de género, y no hay duda de que la película se vería muy mermada sin estos temas.

Nimona, que se asemeja a una adolescente femenina pero nunca se define claramente como mujer, hombre, cisgénero o de otra manera, establece el tono desde el principio, desde el momento en que ella y Ballister deciden unirse. Cuando Nimona se transforma juguetonamente en un tiburón antropomórfico justo antes de darle la mano a Ballister, este, con una voz ya exhausta, le pregunta: “¿Puedes ser… tú [es decir, una chica]?”, a lo que Nimona responde casualmente: “No entiendo”.

De manera similar, en una escena posterior y más íntima, cuando Ballister pregunta si el acto de transformarse es doloroso, Nimona confiesa que en realidad es la sensación de no transformarse lo que duele. La película está llena de momentos simbólicos, aparentemente insignificantes, sutilmente enmarcados en chistes, frases de moda y breves conversaciones, pero se acumulan, construyen y adquieren fuerza emocional debajo de la superficie como una corriente creciente a lo largo de la historia, transformándose en un río tumultuoso en el clímax de la película. Todo esto tiene un hermoso desenlace.

También es digna de mención la “complicada” relación entre Ballister y su ex, Ambrosius (interpretado por Eugene Lee Lang). Si Nimona hubiera sido una película de Disney, Ambrosius probablemente habría sido simplemente un adorno de diversidad en una producción animada típica, pero en Nimona es un personaje bellamente conflictuado, que se ofrece voluntariamente a perseguir a su antiguo amante para llevarlo ante la justicia, mientras sufre de culpa por haberlo herido y lucha por entender cómo el hombre al que amaba pudo cometer regicidio. Es un material oscuro, pero los espectadores también se sorprenderán de cómo los guionistas logran que toda la situación sea divertida cuando es apropiado.

Me complace decir que no se me dio ningún sermón durante los 100 minutos de duración de Nimona. En cambio, Nimona se siente como el tipo de película animada para toda la familia que estaremos viendo en los cines de aquí a 5-10 años, donde las expresiones abiertas de relaciones LGBTQ2S+ probablemente serán mucho más comunes. Pero gracias al coraje de Annapurna Pictures, Netflix y DNEG Animation, que han tomado la antorcha donde supuestamente Disney la dejó caer, podemos disfrutar de este futuro clásico aquí y ahora. Los espectadores de mente abierta, especialmente aquellos que tienen hijos propios, no deben dudar en llevar a sus preadolescentes (niños de 9 años en adelante) a ver esta película.

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Una de las fortalezas de Transformers: Rise of the Beasts radica en su enfoque en la exploración de la mitología de los Transformers. La trama se sumerge en nuevas facciones de Transformers, incluyendo los Maximals y los Predacons, presentándonos una amplia gama de personajes icónicos y emocionantes batallas entre ellos. Los fanáticos de la serie animada original seguramente apreciarán las referencias y los homenajes a la historia de los Transformers.

Además de las impresionantes secuencias de acción y los efectos visuales de alto nivel, la película también presenta un elenco talentoso que agrega profundidad y carisma a los personajes. Los actores entregan interpretaciones convincentes y logran capturar la esencia de sus respectivos roles, proporcionando momentos emotivos y divertidos a lo largo de la narrativa.

En términos técnicos, Transformers: Rise of the Beasts no decepciona. La dirección de fotografía es impresionante, capturando los vastos paisajes y las impresionantes transformaciones de los robots de una manera visualmente impactante. La banda sonora, con sus notas épicas y emocionales, eleva la experiencia cinematográfica y sumerge aún más al espectador en el mundo de los Transformers.

Si bien Transformers: Rise of the Beasts es una película que atraerá principalmente a los fanáticos de la franquicia, también tiene el potencial de captar la atención de nuevos espectadores. La combinación de acción trepidante, efectos visuales asombrosos y una narrativa emocionante hace de esta entrega una experiencia cinematográfica satisfactoria.

La secuela

Después de cinco películas de Transformers dirigidas por Michael Bay que variaron en calidad desde grandiosas hasta desastrosas, Bumblebee en 2018 fue un cambio de ritmo muy necesario, reduciendo considerablemente las apuestas de destrucción mundial para ofrecer una sólida aventura impulsada por personajes, con una buena dosis de nostalgia. Transformers: Rise of the Beasts intenta encontrar un equilibrio entre los personajes y la escala, y aunque repite algunos temas de la última película, tiene éxito más veces que fracasa.

Una secuela independiente, Transformers: Rise of the Beasts cambia el escenario de California en la década de los 80 de Bumblebee por Nueva York en 1994. Noah Diaz (Anthony Ramos) es un exsoldado que intenta llegar a fin de mes y ayudar a su familia, especialmente a su hermano pequeño enfermo, Kris (Dean Scott Vasquez). Desesperado, acepta un trabajo para robar un Porsche 911 plateado. Sin saberlo, ese Porsche resulta ser en realidad un Autobot llamado Mirage (Pete Davidson).

Al mismo tiempo, la investigadora del museo Elena (Dominique Fishback) descubre un artefacto que revela el MacGuffin de esta película: una llave que puede abrir portales a través del espacio y el tiempo. Para Optimus Prime (Peter Cullen) y sus Autobots, es una forma de regresar a casa en Cybertron. Para el nuevo villano Scourge (Peter Dinklage) y sus Terrorcons, es una forma de finalmente traer de vuelta a Unicron (Colman Domingo), el enorme Transformer devorador de planetas. Noah y Elena viajan por todo el mundo junto a los Autobots y la nueva facción de los Maximals para obtener la llave antes de que Unicron convierta su planeta en su próxima comida.

“La gran novedad de Transformers: Rise of the Beasts es el debut en acción real de los Maximals…”

La gran noticia de Transformers: Rise of the Beasts es el debut en acción real de los Maximals, los Transformers temáticos de animales que se hicieron famosos en la serie Beast Wars que se emitió a mediados y finales de los años 90. Como uno de tantos millennials cuya introducción a Transformers fue precisamente esa serie, era difícil contener la emoción interna al ver el título, tal como sucedía en la introducción del programa cuando aparecían en la pantalla. Sin embargo, Rise of the Beasts tiende a depender un poco demasiado de esa nostalgia de los años 90.

El escenario de Nueva York significa que habrá una gran cantidad de clásicos éxitos de hip-hop de grupos como Wu-Tang Clan, Nas, Biggie, LL Cool J; puedes mencionarlos todos. Al mismo tiempo, por cada encantadora referencia pequeña (Noah y Kris se llaman cariñosamente Sonic y Tails), obtienes dos que son menos inmersivas y más como una lista de “dale me gusta si eres un niño de los 90”, como cuando Mirage menciona de repente a Marky Mark y una extraña referencia fugaz a O.J. Simpson que puedes pasar por alto si no prestas atención.

Hay muchas cosas que me gustan de Transformers: Rise of the Beasts. Tanto Anthony Ramos como Dominique Fishback son carismáticos y lo suficientemente agradables en sus roles humanos requeridos como para superar un guion cursi y cargado de exposición. Más de 40 años después, Peter Cullen demuestra que aún no ha perdido en lo más mínimo su habilidad para dar voz a Optimus Prime. Aunque casi extraño lo hilarantemente sediento de sangre que era en las películas dirigidas por Bay, Optimus como personaje en esta ocasión se siente mucho más fiel al líder que conocemos y amamos, incluidos los monólogos inspiradores. La sorpresa más agradable recae en la actuación de Davidson como Mirage.

“Más de 40 años después, Peter Cullen demuestra que ni siquiera ha perdido ligeramente su habilidad para dar voz a Optimus Prime.”

Si bien no todos los chistes son acertados (véase el mencionado momento de Marky Mark), la torpeza de Davidson contrasta bien con el carácter serio de Optimus. Ambos, él y Ramos, interactúan bien entre sí. En cuanto a los Maximals, si bien Ron Pearlman y Michelle Yeoh tienen bastante tiempo en pantalla (dando voz a Optimus Primal y Airazor, respectivamente), los demás Maximals (como los favoritos de los fans Cheetor y Rhinox) apenas tienen una o dos líneas en toda la película. También desearía que hubieran incluido a mi personaje favorito de Beast Wars, Rattrap, pero eso es una queja personal.

El director Steven Caple Jr., conocido por su trabajo en Creed II, hace un trabajo sólido en la silla del director en su mayor parte. La acción es clara, bien filmada y muy divertida, con dos secuencias de persecución en Nueva York y Perú siendo los principales puntos destacados. Desafortunadamente, por más genial que sea ver una batalla de Transformers con docenas de robots enfrentándose, el tercer acto cambia los visuales mayormente brillantes por un genérico lodo gris de efectos visuales sin peso que se siente como lo que hemos visto en docenas y docenas de blockbusters en los últimos 10-15 años. Esto también se extiende al final real de la película, que termina con una insinuación que, admito, provocó una gran reacción de la audiencia.

Transformers: Rise of the Beasts es tan encantadoramente ridícula como un episodio del programa de televisión. Si bien extrañé la escala pequeña y la sorprendente profundidad que ofreció Bumblebee, hay suficiente encanto en sus personajes y una acción fantástica en pantalla para que sea un entretenido blockbuster de verano para cualquier fan de Transformers de larga data.

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Al examinar nuevamente la vida de Kong en la Isla Calavera, la serie de anime de ocho episodios de Netflix proporcionó detalles adicionales sobre su pasado y la isla misma. En su mayor parte, la Isla Calavera se centró en las aventuras de sus protagonistas humanos, pero a medida que avanzaba la historia, Kong se volvió cada vez más relevante para la narrativa general. En el penúltimo episodio de la Isla Calavera, el anime puso el foco en Kong y contó una trágica historia sobre cómo el monstruo perdió a su amiga humana ante el gigantesco monstruo marino que acechaba en el océano. Además, el episodio también confirmó un detalle sorprendente sobre la relación de Kong con uno de los monstruos presentados anteriormente en el programa.

La Isla Calavera presenta al primer compañero monstruo de Kong

Un gigantesco halcón rosa, que no recibió nombre en la serie, resultó ser un aliado de Kong en la Isla Calavera. Al principio, se mostraba como una presencia antagonista en la isla, recogiendo a los personajes con sus garras y llevándoselos volando. Pero resulta que lo hace en beneficio de Kong. En lugar de llevar a sus cautivos de vuelta a su nido, los lleva al templo de Kong, presumiblemente para que el simio se los coma. El episodio 7 de la Isla Calavera profundiza en esto y revela que el halcón también ayuda a Kong en la batalla. La criatura acudió en su ayuda cuando Kong estaba luchando contra un grupo de monstruos camaleón. El halcón participó en la acción e incluso se lanzó en picado para salvar a la compañera humana de Kong cuando fue arrojada desde un acantilado.

La colaboración entre Kong y el halcón demuestra que a pesar de su condición de solitario, Kong tuvo su propio compañero en algún momento en la línea de tiempo del MonsterVerse. Su mayor rival cinematográfico, Godzilla, tiene un historial de luchar junto a otros monstruos, siendo Rodan y Anguirus sus dos compañeros más destacados en las películas de Toho. También recibió ayuda muy necesaria de Mothra en Godzilla: King of the Monsters, quien se mostró como una aliada. Según lo sucedido en la Isla Calavera, parece que Godzilla no es el único Titán alfa con amigos en quienes puede confiar.

¿Sigue vivo el nuevo aliado de Kong en el MonsterVerse?

Aparte de un posible regreso en una segunda temporada potencial de la serie “Skull Island” de Netflix, vale la pena preguntarse si la introducción de la criatura podría llevar a una colaboración de mayor importancia, especialmente con “Godzilla x Kong: The New Empire” en el horizonte. Desafortunadamente, lo que se sabe sobre el futuro de la Isla Calavera no deja muchas esperanzas para que el nuevo compañero de Kong aparezca en una película de acción real. El ecosistema de la Isla Calavera fue destruido por una tormenta antes de “Godzilla vs. Kong”, lo que significa que la mayoría de su vida silvestre pereció fuera de pantalla. Por lo tanto, lamentablemente, las posibilidades de que el halcón rosa siga vivo en el MonsterVerse no son buenas.

Sin embargo, no es imposible que el nuevo aliado monstruoso de Kong haya sobrevivido a la destrucción de la Isla Calavera. Monarch creó un puesto de contención para mantener a Kong a salvo y es muy posible que también hayan preservado la vida de otros monstruos de la Isla Calavera. Dado que Monarch no quería ver la extinción de la especie de Kong, tendría sentido que compartieran la misma visión de la fauna de la Isla Calavera. Si es así, podrían haber trasladado algunas de las criaturas sobrevivientes, que podrían incluir o no al halcón rosa de la Isla Calavera, al mundo oculto de la Tierra Hueca para vivir en paz con Kong. Si bien este escenario parece poco probable, no es imposible que el halcón haga una aparición cameo en “Godzilla x Kong: The New Empire”.

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Quizás mejor conocido por la mayoría de las audiencias como una aclamada película de 2013 del cineasta ganador del Premio de la Academia Bong Joon-ho y una serie de televisión reciente protagonizada por Jennifer Connelly y Daveed Diggs, esos trabajos son en realidad adaptaciones de una larga serie de novelas gráficas francesas. La primera novela gráfica Snowpiercer fue lanzada en 1982 por el escritor Jacques Lob y el artista Jean-Marc Rochette. No recibió una secuela hasta 1999, y dos volúmenes adicionales siguieron en 2000 y 2015 que completaron la historia. Además, también ha habido cómics de precuela para completar los detalles del mundo de Snowpiercer.

El tren hermano de Snowpiercer, el rompehielos

El primer volumen de Snowpiercer, The Escape, habla del enorme tren de 1.001 vagones que da la vuelta a la Tierra y contiene a los sobrevivientes de un evento cataclísmico que condujo a una nueva edad de hielo. Los autos que conducen al motor actúan como un sistema de castas, con los ciudadanos empobrecidos de clase baja que luchan por mantenerse con vida en los autos de atrás y la clase rica y privilegiada que vive en el lujo hacia el frente. Mientras que el Snowpiercer finalmente se estrella debido a una revolución violenta, el segundo volumen de la serie, The Explorers, revela que hay un segundo tren llamado Rompehielos. Los lectores finalmente se enteran de que en realidad había diez trenes perpetuos en funcionamiento, y sus pasajeros chocaron con los malvados guardagujas, que guían los trenes a su estación, pero están experimentando con humanos.

El propósito de los guardagujas se revela en el último volumen, “Terminus”, donde toman a todos los niños y mujeres embarazadas del Icebreaker y los separan del resto del grupo. Finalmente se revela que los guardagujas utilizan las células madre de los bebés para prolongar sus vidas. Ellos son los responsables de atraer a todos los demás trenes a sus estaciones y “recolectar” a los pasajeros para experimentos genéticos con el fin de crear el ejemplar humano perfecto. Es una revelación espeluznante, pero coherente con el comentario de la serie Snowpiercer sobre el sistema de clases y la desigualdad de riqueza y poder. La revelación definitiva de que los sobrevivientes de la nueva era de hielo de la Tierra han caído en manos de un pequeño grupo de élites pone al descubierto lo absurdo del sistema de castas de cada tren, mostrando que ricos y pobres son materia prima para el consorcio reducido que posee todo el verdadero poder en los restos de la humanidad.

Al revelar que había más de un tren en funcionamiento, el mundo de Snowpiercer se expandió hacia nuevas y fascinantes direcciones temáticas.

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Si Grogu realmente hubiera pasado varios años con Mandalorian (Pedro Pascal) antes de entrenar con Luke Skywalker durante un par de años, entonces The Mandalorian ahora podría estar mirando una distancia de al menos media década entre las temporadas 1 y 3. Por supuesto, los comentarios de Favreau podrían haber sido una exageración, o no explicarse correctamente, por lo que era tan importante que la temporada 3 de The Mandalorian estableciera su línea de tiempo en la pantalla. Tomó cinco episodios, pero sucedió.

The Mandalorian Temporada 3, Episodio 5 confirma que han pasado muchos años desde la temporada 1

Un detalle importante del episodio 5 de la temporada 3 de The Mandalorian confirma que han pasado muchos años desde que Din Djarin encontró a Grogu en la temporada 1 de The Mandalorian, lo que esencialmente hace que el canon oficial de retcon de “muchos años” de Favreau. Al explicar a los otros mandalorianos quién es Greef Karga (Carl Weathers) y por qué deberían ayudarlo, Mando recuerda la emboscada de Greef sobre él “hace muchos ciclos” en Nevarro. Esta es una referencia a los eventos de la temporada 1 de The Mandalorian, en la que Karga se sintió traicionado por la negativa de Mando a entregar a Grogu y trató de capturarlo. Si la pelea de los mandalorianos en Nevarro sucedió “hace muchos ciclos”, entonces han pasado muchos años desde la temporada 1.

Aunque las palabras de Favreau fueron suficientes para revelar que el lugar de The Mandalorian en la línea de tiempo de Star Wars sería reconfigurado, aún no había una escena de la temporada 3 que estableciera, sin ninguna duda, que habían pasado muchos años desde la temporada 1. De acuerdo, momentos como El Dr. Pershing (Omid Abtahi), que participó en un programa de rehabilitación de New Republic, sugirió enfáticamente que había pasado un tiempo significativo, al menos entre el final de la temporada 2 de The Mandalorian y el estreno de la temporada 3. Ahora, la declaración de “hace muchos ciclos” de Din Djarin no deja dudas: los eventos de The Mandalorian y The Book of Boba Fett han cubierto varios años.

¿Cuánto tiempo ha pasado realmente en The Mandalorian?

La línea de tiempo de Star Wars siempre ha sido complicada, pero la cronología de los eventos entre The Mandalorian y The Book of Boba Fett ha sido aún más confusa. El problema con la línea de tiempo de The Mandalorian es que Din Djarin y Grogu a menudo saltan de una aventura a otra, similar al ritmo de un videojuego, lo que oculta cuánto tiempo ha pasado realmente entre los episodios. Un video de fan de la línea de tiempo de The Mandalorian de Geekriti que trató de dar sentido a la cronología de Mandoverse, y concluyó que The Mandalorian ha abarcado hasta ahora un año y medio. Aún así, eso no encajaría del todo con la línea de “hace muchos ciclos” de Din .

El ritmo de The Mandalorian hace que sea muy difícil determinar cuánto tiempo pasa entre cada aventura de Mando y Grogu, dejándolo en pequeños detalles y líneas desechables para ayudar a construir una línea de tiempo consistente. Aún así, es virtualmente imposible encajar el “muchos ciclos atrás” de Mando en lo que The Mandalorian y The Book of Boba Fett han mostrado. La fuente de esta disparidad entre la línea de tiempo estimada de The Mandalorian y la oficial parece provenir principalmente de The Book of Boba Fett , que resolvió el suspenso de la temporada 2 de The Mandalorian demasiado rápido e hizo necesario un “salto de tiempo retroactivo”.

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Keaton apareció anteriormente como Bruce Wayne en la película Batman de Tim Burton de 1989 y su secuela de 1992, Batman Returns. El primer tráiler completo de The Flash revela a Keaton una vez más vestido con la próxima evolución de su traje de murciélago. Sin embargo, la exploración de The Flash de líneas de tiempo alternativas y realidades paralelas plantea la pregunta de si esta es exactamente la misma versión del Bruce de Keaton que apareció en el Batman de Burton o un doppelganger multiversal que se parece al Bruce de ese universo. Algunas pistas se ofrecen en el tráiler y el spot televisivo del Super Bowl de The Flash, pero las infinitas posibilidades del multiverso pueden dificultar saber con certeza si se trata del mismo Batman.

¿El Batman de Tim Burton tuvo lugar en el universo de Flashpoint?

La nueva realidad en la que Barry Allen se encuentra en The Flash sirve como el equivalente de DCU a la línea de tiempo alterada de Flashpoint. Mientras Flashpoint vio a Bruce reemplazado por su padre como Batman, The Flash simplemente cambió el Bruce de Ben Affleck por el de Michael Keaton. Si Keaton está interpretando exactamente la misma versión de Batman que en sus apariciones anteriores, esto significaría que sus películas originales tenían que tener lugar dentro de esta línea de tiempo alternativa inspirada en Flashpoint. Eso es ciertamente una posibilidad. Una de las características definitorias de la nueva línea de tiempo es la falta de metahumanos, lo cual fue ampliamente cierto en las películas de Batman de Keaton.

Ya se han dejado caer otras pistas de que la nueva línea de tiempo de The Flash es una continuación directa del universo Batman de Burton. El anuncio de televisión del Super Bowl revela varios trajes de murciélago propiedad de Bruce de Keaton. Entre ellos se encuentran los dos disfraces que usó originalmente en Batman y Batman Returns, pero las conexiones con esas películas son un poco más profundas que simplemente exhibir los disfraces. El traje de Batman tiene daños visibles por fuego en el emblema del pecho, manteniendo la continuidad con esa película, en la que el traje se dañó cuando el Guasón derribó el Batwing antes de su enfrentamiento final con el Caballero de la Noche.

¿Michael Keaton interpreta una versión alternativa de su Batman en The Flash?

Si bien el regreso de Keaton como una versión apropiadamente envejecida de Bruce Wayne y los trajes de murciélago que muestran signos de sus aventuras anteriores implica que este es el mismo Batman que conoció el público en 1989, ese puede no ser el caso. Como se ve en otras propiedades de DC que tratan con el multiverso, como la serie de televisión The Flash de The CW, a veces los universos alternativos producen versiones casi idénticas de un personaje en términos de apariencia e historia personal. Pero en otros casos, las personas varían mucho entre realidades. Eso explicaría cómo podrían existir dos iteraciones casi idénticas del Bruce de Keaton en universos separados, mientras que la versión radicalmente diferente de Affleck aparece en otro lugar.

El tráiler de The Flash también ofrece algunas pruebas de que puede que no sea el mismo Bruce que apareció en las películas de Batman de Burton. Por un lado, las películas de Burton presentaban una visión gótica distintiva de Gotham, rica en diseños Art Deco arraigados en un mundo inspirado en la década de 1940. El mundo presentado en el tráiler de The Flash es más naturalista, sin la estética hiperestilizada de Burton. Además, entre los viejos Batitrajes en exhibición hay lo que parecen ser dos diseños tempranos, presumiblemente usados ​​antes del traje de 1989. El tema es que el Batman de 1989 ve al héroe del título cerca del comienzo de su carrera cuando policías y criminales todavía piensan que Batman es simplemente una leyenda urbana. Parece poco probable que haya pasado por dos disfraces antes de que comience la película.

Las cosas se complican aún más con Arrowverse de The CW. Este universo basado en la televisión organizó un evento cruzado en 2019, adaptando la serie de cómics Crisis on Infinite Earths de DC. El crossover contó con una breve aparición del universo de Batman de Keaton, apodado apropiadamente Earth-89, y un cameo de Flash de Ezra Miller, lo que confirma que la serie de televisión y DCU existen en un multiverso compartido. El cruce no solo sugirió que el Batman de Keaton no se había retirado en este universo en 2019, contradiciendo potencialmente la representación de The Flash de un Bruce retirado, sino que parece sugerir que la Tierra-89 existía en el multiverso antes de que Flash alterara el tiempo. A menos, por supuesto, que Earth-89 no sea la versión original del universo DC de Burton.

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Aunque Grant Gustin no aparece en el tráiler de la película The Flash, el multiverso plantea la duda de si aparecerá. Curiosamente, Barry Allen de la película The Flash, interpretado por Ezra Miller, ya descubrió el multiverso en Crisis on Infinite Earths de Arrowverse. Aunque por una escena muy breve, Flash de Ezra Miller y Flash de Grant Gustin se encontraron durante el evento cruzado más ambicioso del Arrowverse en una escena que confirmó que el DCEU y el Arrowverse son parte del mismo multiverso. Eso obviamente aumenta las expectativas con respecto a un posible cameo de Grant Gustin en The Flash.

Grant Gustin no está en la película Flash (que sepamos)

A partir de ahora, Grant Gustin no forma parte del elenco oficial de la película The Flash. Aunque eso no significa necesariamente que Grant Gustin no esté en The Flash, la próxima película de DCU confirmó algunas apariciones bastante importantes, como Michael Keaton como Batman, Michael Shannon como General Zod, Antje Traue como Faora y Ben Affleck como Batman. Dicho esto, The Flash probablemente no revelaría todos sus grandes cameos y sorpresas de inmediato, lo que significa que Grant Gustin aún podría estar en la película, pero no se revelará de inmediato. A modo de comparación, ningún material promocional de Spider-Man: No Way Home confirmó los castings de Tobey Maguire y Andrew Garfield.

Actualmente, Grant Gustin interpreta a Barry Allen en la temporada 9 de The Flash, la última temporada del programa y posiblemente la entrada final en Earth-Prime de Arrowverse. Nunca hubo demasiados vínculos entre Arrovwerse y las películas de DCEU, y fue precisamente el anuncio de que Ezra Miller interpretaría a Flash en Batman v Superman: Dawn of Justice lo que confirmó que las franquicias estaban separadas. Es por eso que fue sorprendente ver el cameo de Miller’s Flash en Crisis on Infinite Earths, un momento que elevó no solo el evento cruzado sino el Arrowverse en su conjunto.

¿Por qué Grant Gustin debería estar en la película Flash?

La película Flash se sumerge en el multiverso de DC, y no hay mejor manera de celebrar la historia del multiverso de DC Comics que tener dos Flashes diferentes de dos franquicias de DC diferentes que se cruzan. Si bien The Flash presenta a dos Barry Allen diferentes, ambos son versiones del personaje de Flash que se presentó al público en Batman v Superman y Justice League. En otras palabras, un cruce real de DCEU y Arrowverse puede ser mucho más impactante que solo dos versiones diferentes del mismo DCEU Barry Allen. Una vez más usando No Way Home como ejemplo, ver a Peter de Tom Holland interactuar con Garfield y Maguire hizo que la película fuera un evento imperdible.

No hay mejor personaje para sumergirse en el multiverso de DC que Flash, ya que fue gracias a Jay Garrick y Barry Allen que DC se dio cuenta del potencial de vincular diferentes series de cómics a través del tejido del multiverso. Flash of Two Worlds de DC Comics, que vio a Jay Garrick y Barry Allen interactuando por primera vez, fue un hito no solo para DC sino para los cómics de superhéroes en general, algo que podría replicarse con un cameo de Grant Gustin en The Flash

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